Dick Dale

Dick Dale nació como Richard Anthony Monsour en Boston, Massachusetts, el 4 de mayo de 1937. Hijo de un descendiente libanés por parte de padre y de una descendiente polaco-bielorrusa por parte de madre, Su familia posteriormente se mudó a Quincy, Massachusetts. Aprendió el piano cuando tenía 9 años después de escuchar a su tía tocarlo. Obtuvo una trompeta en el 7° grado y más tarde adquirió un ukelele (por 6 dólares fue el intercambio) después de ser influenciado por Hank Williams. La primera canción con el ukelele fue "Tennessee Walts".

Aprendió a tocar el instrumento, usando una combinación de estilos que incorporó al dirigir al estilo rítmico de la guitarra así que la guitarra llenaba el lugar de la baterías. La temprana influencia del tarabaki influyó más tarde al tocar la guitarra, particularmente en sus alternancia rápidas en su técnica. Dale se refería a esta como "la pulsación", ningún otro instrumento que tocaba derivaban del tarabaki. Se encumbró en Quincy hasta el 11° grado en Quincy High School en 1954, cuando su padre un maquinista, tomó un trabajo para Hughes Ariscraft Company en el Sureste de California en la industria aeroespacial. La familia se mudó a El Segundo, California. Dale terminó su último año y se graduó de Washington Senior High School. Aprendió el surf a los 17 años. Se interesó fuertemente en la música árabe, pero su papel principal fue tocando en la corriente musical del surf rock. Dale inició tocando en un bar local de música country donde era conocido en Texas, Tiny quién le dio el nombre de "Dick Dale", porque este era un buen nombre para un cantante de country.

La presentación de Bale en The Rendezvolus Ballroom en Balboa, fue a mediados de 1961 recibiendo crédito por el fenómeno de surf music. Dale tuvo éxito llegando a tener asistencias de 3000 personas la capacidad máxima del ballroom para música surfer después de una sobrepoblación en un local de helados que tenían éxito en varias partes. El propietario de The Rendezvous y en la ciudad de Newport Beach contraraton a Dale con la condición que se prohibía la venta de alcohol y en el código de vestido. Los eventos de Dale en the ballrooms, llamados "tomps" fueron de leyenda y los eventos de rutina todos con boletos vendidos.

Se asocia con Leo Fender el cual examinó un nuevo equipo comentando más tarde: "cuando puede soportar el bombardeo de castigo de Dick Dale es apto para el consumo humano". Su combinación de sonido amplificado y calibre pesado en las cuerdas, le llamaron el "Padre del Heavy Metal". Después de responder a varios amplificadores de Fender, Leo Fender y Freddie Tabares vieron que Dale podía tocar en the Rendezvouz Ballroom, California, identificándose con los problemas en su creación y en el sonido en donde podrían gritar la audiencia. El par visitó the James B. Lansing loudspeaker company preguntando por él. Un altavoz de 15 pulgadas siendo el modelo the JBL D130F conocido como the Single Showman amp. La combinación de Dale y de Fender Stratocaster y Fender Showman Amp siguiendo con un significante elevación de volumen obtenido por un equipo convencional.

También tuvo la influencia musical por parte de su tío Richard Anthony Monsour, quién le enseñó a tocar el tarabaki y podía tocar el oud. Dale compró a un amigo una guitarra en 8 dólares, pagando en cuotas. 

La presentación de Bale en The Rendezvolus Ballroom en Balboa, fue a mediados de 1961 recibiendo crédito por el fenómeno de surf music. Dale tuvo éxito llegando a tener asistencias de 3000 personas la capacidad máxima del ballroom para música surfer después de una sobrepoblación en un local de helados que tenían éxito en varias partes. El propietario de The Rendezvous y en la ciudad de Newport Beach contraraton a Dale con la condición que se prohibía la venta de alcohol y en el código de vestido. Los eventos de Dale en the ballrooms, llamados "tomps" fueron de leyenda y los eventos de rutina todos con boletos vendidos. 

 

Empleaba escalas musicales que no correspondían a los Western cuando tocaba. Utilizaba regularmente la reverberación que se convirtió en una marca registrada de una guitarra surf. Tocaba con la mano zurda, Dale tocaba su guitarra con la mano derecha. Lo hizo sin restricciones en la guitarra, con alta efectividad al tocar la guitarra al revés, frecuentemente tocando y alcanzando los diapasones, más el deslizamiento de sus dedos hacia abajo.  

"Let's Go Trippin'" es la primera canción del surf rock. Fue seguida por muchas canciones locales que fueron liberadas, incluyen "Jungle Fever" y "Surf Beat" en su sello discográfico Deltone. Su primer álbum completo fue Surfers Choice en 1962. El álbum llegó al tope por Capitol Records a su distribución nacional. Dale se presentó en The Ed Sullivan Show y en las películas se ve en donde toca el sencillo "Misirlou". Más tarde su inicio "Recuerdo la primera noche que la tocamos (Mirislou). Cambie el tiempo y solo iniciamos manivelando. Y... esto fue misterioso. La gente comenzó a aclamarlo en el salón y estuvieron cantando y parando. Los invitados fueron los que iniciaron surfer stomp. Su segundo álbum fue nombrado después de su presentación con el apodo del "King of th Surf Guitar". 

Más tarde diría Dale: Hay un tremendo acumulamiento de poder. Siento que este sentimiento de poder del surfing ha sido transferido hacia dentro de mi guitarra. Su estilo refleja la experiencia del surfing proyectando el poder del océano hacia la gente. 

 

Dale y the Del-tones grabaron en Capitol un sencillo en ambas caras: "Secret Surfin' Spot" en 1963 para la película Beach Party, protagonizada por Fankie Avalon y Annette Funicello. El grupo tuvo presentaciones con las canciones "My First Love," "Runnin' Wild" y "Muscle Beach", en la película "Muscle Beach" de 1964. Dick Dale fue conocido como el Rey de la guitarra surfera, y está incluido en la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

 

Grabó un total de 12 álbumes, siendo el primero Surfers' Choice, de 1962, que incluye la popular canción: Misirlou. Misirlou es su canción más conocida, estando incluida en la banda sonora de la película Pulp Fiction de Quentin Tarantino de 1994. El reverb de su canción Misirlou es una gran influencia para prácticamente todos los músicos de surf. Una característica de Dale es que, aun siendo zurdo, usó su guitarra eléctrica sin invertir las cuerdas, es decir: mantiene las cuerdas tal y como se ubican en el orden diestro de la guitarra, donde las cuerdas agudas quedan por encima de las graves. 

 

En ese caso, para un zurdo (cuando le das la vuelta a la guitarra) las cuerdas graves quedan por debajo y las agudas por encima . Es justo el caso contrario de Jimi Hendrix, que siendo zurdo invirtió las cuerdas y seguían colocadas como para un diestro (graves arriba y agudas abajo). Dick Dale fallece en 2019 a los 81 años de edad.

 

The Shangri Las

Gracias al buen amigo Juan Antonio por la reseña...

 

The Shangri-Las

Mary Weiss sintió una temprana vocación musical que la llevó a formar una banda de chicas con apenas 14 años. Sus acompañantes eran su hermana Elizabeth y las gemelas Marguerite y Mary Ann Ganser. Todas ellas eran de Queens, un barrio complicado por entonces, y no habían podido disfrutar de una buena educación. Eran chicas difíciles, bastas, mal habladas. La antítesis de la imagen edulcorada de los grupos femeninos que triunfaban. Sin embargo, también eran muy testarudas y querían hacerse un hueco en el mundo de la música. Quedaban después de las clases, o directamente se las saltaban, para ensayar canciones y coreografías. Llegaron a conseguir actuaciones en clubes, en general de dudosa reputación. Para ellas, de todos modos, aquello no era un problema: estaban acostumbradas a los ambientes sórdidos y a manejarse por los bajos fondos, a pesar de su juventud. También actuaron en fiestas de graduación y se presentaron a algún que otro concurso, sin éxito.

No tenían prisa, creían en lo que hacían y sobre todo anhelaban ser ellas mismas, hacer lo que les gustaba. No tenían claro si deseaban convertirse en un proyecto prefabricado y domesticado como peaje para llegar al éxito. Lo que sí les urgía era ponerse un nombre, ahora que debían presentarse ante el público. Deambulando por el barrio vieron un restaurante llamado Shangri-La. No lo dudaron: en adelante serían las Shangri-Las. Durante el primer año no pasó nada relevante con The Shangri-Las. Un tipo llamado Artie Ripp las descubrió, les consiguió un contrato con Kama Sutra – un sello que él mismo había creado para la ocasión – y grabaron un par de singles. Entonces llegó su golpe de suerte.

 

En este punto de la historia, debemos hablar de otro tipo muy peculiar llamado George “Shadow” Morton. Un tipo que tuvo el coraje de presentarse en el Brill Building alegando ser compositor solo para intentar atraer la atención de Ellie Greenwich. Ellie entonces estaba casada con Jeff Barry, quien en una combinación de celos profesionales y sentimentales le pidió a Morton que no volviera por allí sin una buena canción. La realidad es que George Morton quería ser compositor, pero no tenía nada que ofrecer en ese momento. Se fue, se retiró un tiempo a escribir y volvió con una demo llamada Remember (walkin’ in the sand). La canción no tenía nada que ver con lo que triunfaba por entonces, ni musicalmente ni sobre todo por la letra. Morton tenía una idea muy particular sobre cómo debía ser una canción para adolescentes: donde todos hablaban de amor y desamor, de felicidad e infelicidad. Él quería hacerlo de violencia, de relaciones malsanas, de bandas juveniles e incluso de la muerte. Con la ayuda de Barry y Greenwich la canción tomó forma, aunque suavizaron la letra y recortaron la duración, que en la demo se prolongaba hasta los siete minutos. Faltaba encontrar quien la cantara y el sello que la quisiera publicar. No fue complicado puesto que el sello Red Bird, para quienes Barry y Greenwich ya habían compuesto Chapel of love para otro grupo de chicas, las Dixie Cups, se interesó. En cuanto a las cantantes, tenían al grupo ideal: las Shangri-Las. Cuando Mary Weiss empezó a entonar “Seems like the other way, my baby went away…” todos supieron que esa voz de quinceañera, que en lugar de emoción y ternura juvenil derrochaba tragedia y desolación, era perfecta para el proyecto.

Incluso tras el recorte, que dejó la canción en poco más de dos minutos, Remember (walkin’ in the sand), a priori una historia más de desamor, seguía sonando amenazante y turbadora. Los ingredientes eran perfectos para el efecto que Morton tenía en la cabeza: la voz de Mary, nada ingenua a pesar de su edad, versos como “la noche era tan excitante, su sonrisa era tan tentadora”, la ausencia de un estribillo estratosférico como en las producciones de Spector, el formato atípico de la canción…Una canción que los adolescentes, a pesar de todo, hicieron suya aupándola directamente al top-10. Las Shangri-Las mascaban chicle, decían palabrotas y alucinaban con todo aquello. Morton se frotaba las manos. Los dueños de Red Bird, los míticos Leiber y Stoller que habían compuesto canciones como Hound dog o Jailhouse rock, así como Barry y Greenwich, también disfrutaban con aquel éxito. Todos eran felices, pero tenían que seguir alimentando aquella recién creada maquinaria.

Había que aprovechar el momento, así que todo el equipo, con Jeff Barry, Ellie Greenwich y George Morton a la cabeza, se puso a trabajar en el nuevo single. Remember… seguía en el top-10, así que pensaron que no sería buena idea componer algo muy parecido. Sin embargo, la fórmula parecía clara: insistir en la historia de amor / ruptura. Morton, fiel a su idea, quería algo con un final todavía más trágico. Además quería ambientar la historia en un ambiente pandillero y poco recomendable, que la canción fuera como esas películas de terror que te horripilan pero no puedes dejar de mirar. Tras varias reuniones alguien mencionó las motos, las peligrosas pandillas de moteros, y entonces surgió la chispa. La historia sería la siguiente: chica se enrolla con el jefe de la pandilla, las amigas le piden detalles, los padres de ella obligan a la pareja a romper, y el macarra motorista que en el fondo es muy sensible se lanza a una carrera alocada y se estrella con su moto. Todo ello aderezado con efectos sonoros impactantes (la chica gritando “¡¡Cuidado!!”, ruidos de cristales rotos…) y la entonación sombría de las Shangri-Las. Además sin estribillo, otra vez.

¿Podía triunfar una canción así? Pues sí, Leader of the pack no solo triunfó sino que llegó al número 1 de las listas norteamericanas desbancafownndo al Baby love de las Supremes, en una especie de triunfo de las chicas del barrio frente a la sofisticación del Soul norteño. Además las chicas malas de barrio pobre…¡¡Eran blancas!! El propio James Brown, con quien coincidieron en una de esas giras multitudinarias que se hacían en los 60, creyó que eran negras hasta que las vio con sus propios ojos. De hecho, la mayoría de las veces eran las únicas blancas en la gira.

Un error típico de las discográficas es querer forzar demasiado la maquinaria del éxito, y Red Bird, el sello de las Shangri-Las, no fue una excepción. Decidieron sacar más singles fuera como fuera, con prisas, y recurrieron a versiones que no pegaban mucho con el estilo que habían seguido hasta entonces. Su siguiente canción original resultó bastante más ligera e inofensiva que sus anteriores sencillos. Give him a great big kiss – de la que Burning hicieron una versión, Es especial, a principios de los 80 – era una canción bastante buena, pero no lo que el público esperaba de las Shangri-Las. A finales de 1964 eran una máquina de hacer dinero, pero dado el escaso éxito de sus últimos singles ya estaban en peligro de ser rebasadas por las nuevas bandas y artistas que en los 60 surgían a toda velocidad. Ya había muchos grupos, incluyendo a los Beatles, la nueva sensación, cantando sobre las maravillas y también sobre las penas de ser adolescente. Esa batalla la tenían perdida. Si lo que el público quería de las Shangri-Las era drama, sangre y muerte, eso es lo que le iban a dar.

Tras una gira europea de las Shangri-Las en Inglaterra, donde también tenían una buena base de fans y coincidieron con Dusty Springfield o The Zombies, Barry y Greenwich se pusieron a trabajar en una nueva canción, Out in the streets, otra rara muestra del particular estilo Shangri-Las. Otras canciones de chicas al uso solían hablar de la niña bien que se enamora del chico malo, de cómo lo ayuda a salir de las calles y a convertirse en buena persona. Out in the streets, sin embargo, hablaba del día después, de lo que ocurría tras el final feliz. En aquella canción la chica que ha redimido al pandillero empieza a notar que algo ha cambiado, que todo es distinto, menos interesante, más aburrido…Se siente culpable por haber sacado al chico de la pandilla y de la vida peligrosa de la calle. Finalmente, decide dejarlo libre, ya que su corazón está “afuera, en la calle” y no con ella. Una vuelta a los finales infelices y a las canciones sin estribillos. Aquello, sin embargo, tampoco parecía ser suficiente. Habían acostumbrado a los seguidores de las Shangri-Las a emociones fuertes, así que deberían sacar la artillería pesada.

Give us your blessings era la historia de una jovencísima pareja, Jimmy y Mary, que estaban terriblemente enamorados. Les decían a todo el mundo que su ilusión era compartir su vida para siempre, que su amor fuera eterno. Un día decidieron decírselo a sus padres y formalizar su relación. Fueron a casa de Mary y les dieron la noticia: querían casarse. “Dadnos vuestra bendición...”, les dijeron.

Los padres de la chica se rieron de ellos y le quitaron importancia a sus deseos juveniles, tratándolos como a tontos adolescentes que no tienen claro qué hacer con su vida. Les dijeron que todavía eran unos niños, y se burlaron de su supuesto amor. Jimmy salió fuera y esperó a Mary en su coche, mientras que la chica insistía, “por favor, dadnos vuestra bendición…”, solo para volver a obtener unas risas burlonas por respuesta. Salió llorando de la casa, subió al coche con Jimmy y ambos se alejaron entre lágrimas de desesperación. Al día siguiente encontraron sus cuerpos entre los amasijos de hierro en que se había convertido el coche tras salirse de la carretera. Cuentan que, cuando llegaron sus padres, se les pudo oír decir con su último aliento “Dadnos vuestra bendición...” La canción, con su terrorífico final, llegó al top-30 en los Estados Unidos. Mejor que sus anteriores singles, pero el equipo seguía buscando un nuevo número uno.

Quizás la fórmula ya estuviera agotada, así que en Red Bird decidieron probar otras cosas. Además querían aprovechar el éxito de estos singles atípicos, retorcidos y espeluznantes para inundar el mercado con todo el material que fuera posible. Publicar dos LPs de las Shangri-Las en un año, teniendo en cuenta que su fuerte eran las canciones, no parecía una buena idea. Sacaron buenos discos, con algunas canciones interesantes, incluso una composición de Levon Helm (The Band)...pero todos ellos resultaron repetidos fracasos de ventas. Intentaron emular el sonido Motown que triunfaba por entonces con Right now and later, pero justamente el inesperado éxito de Red Bird radicaba en tener su propio sonido y una extraña pero electrizante personalidad. De hecho sus canciones de amor-desamor-muerte habían creado un subgénero en sí mismo, por donde se colaron canciones como Tell Laura I love her, de Ray Peterson, Dead man’s curve, de Jan & Dean, o Last kiss, de J. Frank Wilson and the Cavaliers, entre otras. 

Así pues, en un círculo vicioso que parecía no tener fin, cada vez que el equipo creativo de Red Bird veía fracasar un single luminoso o un LP con demasiado relleno, volvían a desempolvar las fantasmales composiciones de “Shadow” Morton. Esta vez George quemó sus naves en el que posiblemente sea el single más retorcido que alcanzó nunca el top-10 de las listas norteamericanas durante aquellos años: I can never go home anymore.

No es sencillo explicar el sobrecogedor efecto de escuchar I can never go home anymore con palabras. La canción empieza con la típica historia de chica adolescente rebelde, enfadada con el mundo y con su madre, gritándole a esta que se irá de casa si no la deja vivir su vida en paz. En ese momento suena una voz casi fantasmal, que toma el papel de narradora. Una voz de ultratumba que le dice a la chica que no lo haga, que no pase por lo que ella tuvo que pasar. Entonces empieza a contar su historia, con lo que accedemos al nivel más interno y espeluznante de la canción. La voz afirma con pena que se fue de casa por un chico al que su madre no quería que viera, a pesar de que esta le suplicó de mil maneras que no lo hiciera. Sigue contando como, curiosamente, al poco tiempo había perdido el interés por aquel chico, y que en la soledad de la noche, durmiendo donde podía, recordaba como su madre la arropaba en la cama y le decía “no temas, cariño, mamá está aquí”. 

Un sueño recurrente del que se despertaba cada noche en medio de la oscuridad gritando “¡¡Mamá!!”. Sin embargo, aunque la voz contaba que le dolía haberle roto el corazón a su madre y dejarla sola mientras se hacía vieja, afirmaba que no podía volver a casa nunca más. Todo eso con un recitado siniestro, con un estribillo que pone los pelos de punta, con unos vientos y unas cuerdas que parecen sacados de una película de terror.La sensación de tristeza que invade a quien escucha la canción mientras lee la letra es terrible. Más todavía si recordamos que las hermanas Weiss eran huérfanas desde poco antes de formar el grupo. Nuevamente, la pregunta es: ¿Esto puede ser un éxito? Pues sí, I can never go home anymore llegó al número 6 en las listas norteamericanas, una vez más. ¿Sería por su valor artístico, por el riesgo? ¿El tirón entre los más jóvenes consistía simplemente en el morbo de ver quién y cómo moría en cada canción? ¿O era esa sensación indescriptible que dejaba en el cuerpo el abrupto final de la canción, con la llorosa voz de Mary susurrando “I can never go home (never) anymore…and that’s called sad“?

Aquel fue el último gran éxito de las Shangri-Las. Sacaron nuevos LPs, nuevos singles, cambiaron de discográfica tras el desmembramiento de Red Bird… Antes sacaron Past, present, future, la última canción de las Shangri-Las para el sello del pajarito rojo, en 1966, pero fue más un testamento que una canción. Aun así, George “Shadow” Morton no quería soltar a la gallina de los huevos de oro y se las llevó a Mercury. Sin embargo, la compañía sólo se interesaba por sus viejos éxitos, y finalmente el propio Morton acabó por dejarlas de lado para dedicar su tiempo a una jovencita Janis Ian. Las Shangri-Las acabaron de malas maneras, con un pleito con Mercury que les impidió grabar durante años. Fue el fin de su carrera, y el inicio de sus vidas normales. Una de las gemelas, Mary Ann Ganser, murió en 1970 a los 22 años de edad, parece ser que por una sobredosis de barbitúricos. La otra gemela (Marge) falleció de cáncer en 1996. Betty Weiss se casó y tuvo un hijo, se dedicó a la cosmética y no volvió a la música. Mary Weiss aprovechó la baja de las Shangri-Las para continuar sus estudios – apenas tenía 18 años – y posteriormente se casó, se divorció, se volvió a casar, y en el año 2007 sacó su primer disco en solitario, Dangerous game, un trabajo bastante interesante y aprovechable. Lamentablemente fallece el 19 de enero de 2024.

En 1977 hubo un intento de reunión de las Shangri-Las supervivientes, incluyendo un concierto en el mítico local neoyorquino CBGB que vio nacer el punk estadounidense de la Costa Este. Incluso estuvieron a punto de fichar por Sire Records, pero todo se fue al traste cuando intentaron obligarlas a hacer canciones de música “disco”. Mary dijo que ellas eran punk como Patti Smith y no iban a cantar esa bazofia discotequera. Los mandó a la mierda y las Shangri-Las desaparecieron para siempre, aunque un grupo intentó apropiarse de su nombre en los 80. Obviamente no eran ellas.

Si la influencia en artistas posteriores es un parámetro para medir la calidad de un artista, quizás debamos recordar que, aparte de los antes mencionados Burning, las canciones de las Shangri-Las han sido versionadas por gente como Aerosmith, New York Dolls, The Damned, Blondie, Redd Kross, Belle and Sebastian, Ryan Adams, Twisted Sisters o Amy Winehouse, que las citaba como una de sus grandes referencias incluso, como es evidente, en su propia imagen de chica mala y descarriada. Todo eso sin que las hermanas Weiss y Ganser escribieran ni una coma de sus canciones. Quizás por eso George Morton dijo una vez que la mayor habilidad de las Shangri-Las fue hacer creíbles, y a la vez soportables, las delirantes y trágicas historias que salían de su desequilibrada pluma. 

Video del dia

Les dejo esto del grupo Chicago Transit Authority, quien luego triunfaría solo con el nombre de "Chicago". El tema es I'm a man... 

 

Video del dia - In My Room

Les comparto este tema muy interesante de los Beach Boys....y por mucho que digan que fue la primera canción donde se busca uno refugiar del mundo exterior (como luego hizo Brian Wilson), los Beatles (léase John) ya lo habían hecho con su tema "There's a place" de su primer LP "Please, please me" de 1962. Saludos: GZ

In My Room" es una canción de los Beach Boys que fue escrita por Brian Wilson y Gary Usher. Esta canción aparece en el disco Surfer Girl de 1963.También la banda la lanzó como sencillo en el lado B de "Be True to Your School". Este sencillo llegó a su punto máximo de fama cuando alcanzó el puesto #6 en Estados Unidos.

Gary Usher, autor del tema y famoso productor musical, explicó esto acerca de esta canción: "In My Room fue un tema muy aríistica. Brian y yo volvimos a la casa una noche después del juego sobre la línea (en un juego de beisbol). Me puse en el bajo y Brian estaba con el órgano. La canción fue escrita en una hora... La melodía era toda de Brian. La sensibilidad ... el concepto le hizo decir muchas cosa. Cuando terminamos, ya era tarde, después de nuestro toque de queda de medianoche. De hecho, Murry (el padre del Brian Wilson) entró dos o tres veces y quiso que yo me marchara.

De todos modos, lo conseguimos con Audree (la madre de Brian Wilson). Ella dijo; 'Esta es la canción más hermosa que alguna vez se haya escrito.' Murry dijo; 'Nada mal, bien escrita, nada mal,' fue la cosa más agradable que oí alguna vez” me dijo. Usher fue quien escribió gran parte de la letra del tema. Según sus palabras la temática se debe a que Wilson había señalado que su cuarto era su mundo entero. Con esa frase decidió darle la letra a este tema. Según el productor:"Yo tenía un cuarto, y pensé en ello como si fuera mi reino. Y escribí la canción, ya que uno no tiene miedo cuando está en su cuarto. Es verdadero".

En 1990, el compositor y genio de esta banda, Brian Wilson, dijo sobre esta canción: "También disfruté produciendo 'In My Room'. Hay una historia detrás de esta canción. Cuando Dennis, Carl y yo vivíamos en Hawthorne, cuando éramos niños, dormimos en el mismo cuarto. Una noche les canté la canción 'Ivory Tower' y les gustó mucho. Esto les tomó mucho tiempo, pero ellos finalmente lo aprendieron. Entonces cantamos esta canción noche tras noche. Esto nos trajo mucha paz. Cuando grabamos 'In My Room', solamente Dennis, Carl y con el primer verso... y sonamos justo como hicimos en nuestro dormitorio todas aquellas noches. Esta historia tiene más significado después de la muerte de Dennis."

Cabe señalar que Dennis Wilson era el baterista de la banda y además hermano de Brian. Falleció a los 39 años en diciembre de 1983 ahogado en el mar en Marina Del Rey, Los Ángeles. Para finalizar la historia de esta maravillosa canción, la revista Rolling Stone la puso en su Lista de la 500 mejores canciones en el puesto #209.

Stand by me

En estos momentos de duda "existencial" por la salud de mi madre y yo tan lejos de casa.....recordé este video de un tema de Leiber y Stoller, cuyo éxito mundial fue gracias a Ben E. King (por mucho que digan que era de Lennon la versión que le dio fama al tema).......espero disfruten el tema. Saludos: GZ